Plays, playscripts, drama

The Merchant of Venice is a 16th-century play by William Shakespeare in which a merchant in Venice must default on a large loan provided by a Jewish moneylender. It has been listed among Shakespeare's greatest comedies, although its tone is often dramatic. This is a detailed summary of the play, written in today's language, for all willing to acquire a greater understanding of Shakespeare's work and widen their culture.

The Tragedy of Macbeth is a play written by William Shakespeare. Set mainly in Scotland, the play illustrates the damaging physical and psychological effects of political ambition on those who seek power for its own sake. It was most likely written during the reign of James I, who had been James VI of Scotland before he succeeded to the English throne in 1603. James was a patron of Shakespeare's acting company, and of all the plays Shakespeare wrote during James's reign, Macbeth most clearly reflects the playwright's relationship with the sovereign. Macbeth is Shakespeare's shortest tragedy, and tells the story of a brave Scottish general named Macbeth who receives a prophecy from a trio of witches that one day he will become King of Scotland. Consumed by ambition and spurred to action by his wife, Macbeth murders King Duncan and takes the throne for himself. He is then wracked with guilt and paranoia, and he soon becomes a tyrannical ruler as he is forced to commit more and more murders to protect himself from enmity and suspicion. The bloodbath and consequent civil war swiftly take Macbeth and Lady Macbeth into the realms of arrogance, madness, and death. This is a detailed summary of the play, re-told in todays language.

King Lear is a tragedy written by William Shakespeare, depicting the gradual descent into madness of the title character, after he disposes of his kingdom giving bequests to two of his three daughters based on their flattery of him, bringing tragic consequences for all. The play is derived from the legend of Leir of Britain, a mythological pre-Roman Celtic king; after the English Restoration, it was often revised with a happy ending for audiences who disliked its dark and depressing tone, but since the 19th century Shakespeare's original version has been regarded as one of his supreme achievements. The tragedy is particularly noted for its probing observations on the nature of human suffering and kinship. George Bernard Shaw wrote, "No man will ever write a better tragedy than Lear." This is a detailed summary of the play, re-told in todays language.

As You Like It is a pastoral comedy by William Shakespeare believed to have been written in 1599. It follows its heroine Rosalind as she flees persecution in her uncle's court, accompanied by her cousin Celia to find safety and, eventually, love, in the Forest of Arden. In the forest, they encounter a variety of memorable characters, notably the melancholy traveller Jaques who speaks many of Shakespeare's most famous speeches (such as "All the world's a stage", "too much of a good thing" and "A fool! A fool! I met a fool in the forest"). Jaques provides a sharp contrast to the other characters in the play, always observing and disputing the hardships of life in the country. The play remains a favourite among audiences and has been adapted for radio, film, and musical theatre. Here is a high-quality summary of the play, in a clear and practical format, as a help for study and an accessible way to discover Shakespeare's work.

Shakespeare is regarded as the greatest writer in the English language and the world's best dramatist. His plays have been translated into every major language, and are the most performed ever. His work contains stunningly modern insight, witty jokes and soaring passion; it is an endless source of amazement and inspiration. The Tempest is now considered to be one of Shakespeare's greatest works. It has been adapted numerous times in a variety of styles and formats; it is a tale of magic, romance, and illusion. The sorcerer Prospero, rightful Duke of Milan, plots to restore his daughter Miranda to her rightful place; he conjures up a tempest to lure his usurping brother Antonio to the island, before using various machinations to reveal the usurper's true nature. This lively adaptation is a convenient summary meant to bring to you Shakespeare's magic in an actual, clear and precise way; recorded by the greatest storytellers, it will bring to you the fundamentals of English culture in a most enjoyable format.

Shakespeare is regarded as the greatest writer in the English language and the world's best dramatist. His plays have been translated into every major language, and are the most performed ever. His work contains stunningly modern insight, witty jokes and soaring passion; it is an endless source of amazement and inspiration. We have selected for you the best quotes ever written by one of the greatest literary figures to have ever walked on earth, from Hamlet to Macbeth, Romeo and Juliet to the Tempest, and from every other play in existence: Othello, King Lear, and the historical dramas, Henry IV, Henry V, Henry VI, Julius Caesar, Henry VIII, King Lear. Enjoy the force and passion of this fondation of literature and culture; get to know the Bard more intimely as you gain food for thought and enjoyable references.

Shakespeare is regarded as the greatest writer in the English language and the world's best dramatist. His plays have been translated into every major language, and are the most performed ever. His work contains stunningly modern insight, witty jokes and soaring passion; it is an endless source of amazement and inspiration. Romeo and Juliet is perhaps his most famous and beloved; this heartbreaking tale of impossible love has marked every generation since its publication, and it is an essential part of Western culture. This lively adaptation is a convenient summary meant to bring to you Shakespeare's magic in an actual, clear and precise way; recorded by the greatest storytellers, it will bring to you the fundamentals of English culture in a most enjoyable format.

La pièce : Alceste, un grand seigneur encore très jeune, intelligent, fanatique du vrai, coléreux, atrabilaire, méprisant les hypocrisies mondaines, s'est épris d'une coquette, veuve à 20 ans. Il espère l'arracher à la frivolité des salons comme aux hommages de tous ceux qui la convoitent, obtenir d'elle un véritable amour. Célimène l'estime, elle a de l'affection pour lui, mais elle volette sans cesse devant tous, éblouissante, insaisissable, sans que jamais il puisse même la rencontrer seul à seule pour lui demander ses sentiments réels, un engagement définitif. Le jeu a trop duré. Alceste entend avoir aujourd'hui une explication décisive. L'obtiendra t-il ? Sans cesse, des "fâcheux" s'interposent. Alceste envoie même à tous les diables son ami Philinte, dont les complaisances et la sagesse résignée l'irritent ce matin plus que jamais. A t-il voulu se moquer constamment d'Alceste, nous rendre sensibles avant tout à ses ridicules ? Nous propose t-il Philinte comme un modèle ? Critiques et comédiens n'ont pas cessé d'en discuter depuis trois siècles. Les circonstances de l'écriture du Misanthrope : 1665-1666, sombre période pour Molière. Il est malade et doit renoncer à jouer pour une longue période. Il essaie sans succès d'obtenir l'autorisation de jouer le Tartuffe en représentations publiques. Dom Juan reste interdit ; son mariage enfin n'est pas heureux, Armande a 2à ans de moins que lui et lui fait sentir. Molière écrit donc le Misanthrope, son chef d'oeuvre. La pièce est crée le 4 juin, et Armande, sa femme, y joue le rôle de Célimène.

La pièce : Argan est un maniaque de la maladie. Il se croit malade, et l'est en fait pour s'abandonner, presque avec délice, à toutes les prescriptions saugrenues que lui ordonnent médecins et apothicaires en qui il a mis sa confiance. Béline, sa seconde femme, flatte ce penchant dans l'espoir de recueillir bientôt seule l'héritage de son époux, manoeuvrant son mari pour le décider à faire entrer ses deux filles d'un premier lit dans un couvent. Argan, quant à lui, caresse un autre projet : faire épouser Angelique, sa fille ainée, par un médecin. Mais Angelique aime Cléante, et le prétendant est parfaitement ridicule. Ce bénêt de Thomas Diafoirus, médecin, fils de médecin, croit réfuter par des syllogismes absurdes la théorie de la circulation du sang contre laquelle il vient précisement de soutenir a thèse de doctorat. Quant il écrit"Le malade imaginaire", Molière, au delà de griefs personnels évidents contre les médecins, prend part à un débat où se trouven engagé l'avenir de l'esprit scientifique. Il se déclare contre les Anciens et pour les modernes de son temps. Les circonstances de la pièce : 1673, pour célébrer les succès de Louis XIV en Hollande, Molière écrit "Le malade imaginaire". La pièce est un succès. Ce sera la dernière pièce de Molière, qui meurt un soir après quelques représentations, après avoir fait un malaise sur scène quelques heures plus tôt.

Le Barbier de Séville ou la Précaution inutile est une pièce de théâtre française en quatre actes de Beaumarchais, jouée pour la première fois le 23 février 1775. Le comte Almaviva, tombé amoureux d'une jeune orpheline, Rosine, est prêt à tout pour l'arracher à Bartholo, son vieux tuteur, qui a depuis toujours pour projet de l'épouser. Tandis que, déguisé, il tente de mener son projet à bien, il tombe sur son ancien valet Figaro, persifleur mais entremetteur, qui l'aidera dans ses desseins. Le Barbier de Séville fut adapté à deux reprises pour l'opéra, d'abord par Paisiello en 1782 sous le titre Il barbiere di Siviglia, ovvero La precauzione inutile, puis par Gioachino Rossini en 1816 sous le titre Il barbiere di Siviglia. Le Mariage de Figaro, inspira aussi un opéra, Le nozze di Figaro (Les Noces de Figaro) de Mozart, créé en 1786 à Vienne.

Poil de carotte est un enfant mal aimé, qui, pour lutter contre les humiliations quotidiennes et la haine maternelle, n'a que la ruse, cette arme des faibles. Ce court roman ou longue nouvelle publié en 1894 est à portée autobiographique, et dresse le portrait d'une enfance malheureuse dans laquelle on peut chercher les sources du scepticisme et de l'ironie de Jules Renard. Extraits.

Jean Vilar et le Théâtre National Populaire, le TNP : "Ses Grands Rôles" - Extraits : Richard II, Cinna, L'Avare, Don Juan, L'Alcade de Zalamea, Oedipe, Meurtre dans la Cathédrale, etc

" Le Carrosse du Saint-Sacrement ", avec Maria Casarès et Georges Wilson (extraits des scènes IV, VII et IX), régie de Jean Vilar. " Le Carrosse du Saint-Sacrement " est une des œuvres les moins connues de Mérimée. Ce n'est point là un drame tragique et sanglant rappelant " Carmen ". Mais la note espagnole où excelle Mérimée y sera. Vraiment, vous entendrez là un chef-d'œuvre littéraire où l'adresse scénique égale la fantaisie. Le personnage principal – un Vice-Roi du Pérou – est dessiné avec une ponctualité et un relief étonnants. On retrouvera là, sous un aspect nouveau, l'éternel duel entre l'homme et la femme qui est celui d'Alceste et Célimène, Boubouroche et Adèle... (J. Copeau, Comoedia, 3-3-1920). Le Théâtre National Populaire, sous la direction de Jean Vilar, a présenté Le Carrosse du Saint-Sacrement pour la première fois au Grand Théâtre de Bordeaux, le 22 Mai 1958, lors du IXe Festival de la Ville de Bordeaux. " ... Nous avons assisté l'autre soir, à Chaillot, à un récital de la Casarès dans le Carrosse, et ce fut un enchantement... et je me hâte d'ajouter que lorsque le partenaire est Georges Wilson, c'est-à-dire un parfait comédien, aussi inspiré que la Casarès dans son registre d'antithèse, le spectacle devient une fête sans pareille pour tous les aficionados du théâtre ". Morvan-Lebesque, Carrefour " Ce dialogue Wilson-Casarès renouvelle l'intérêt... L'un dur, l'autre échappant à la coquetterie, jouant d'une manière plus dégagée, comme une femme sûre de ses droits, de ses désirs et de ses plaisirs, et non pas fascinée par ce carrosse comme une alouette par un miroir... C'est une réussite donil faut féliciter Vilar, Casarès et Wilson ". P. Marcabru, Arts

L'Etourdi ou les contretemps est la première comédie en 5 actes et en vers de Molière. Elle fut créée à Lyon en 1655 et reprise à Paris dès l'installation de la troupe en 1658, au théâtre du "Petit Bourbon". Lélie, fils de Pandolfe, aime Célie, esclave de Truffaldin aimée aussi de Léandre. Pour faire triompher son amour, il a recours aux stratagèmes de Mascarille, son valet, mais les fait échouer par ses étourderies. Acte II, scènes 1 à 7. | "Le Dépit amoureux" est lié à une autre étape provinciale de Molière, Béziers. La pièce y fut donnée en 1656. Comme l'Etourdi, Molière la reprit à Paris, en 1658; comme l'Etourdi, elle connut un succès notable. Depuis 1773, elle a été représentée le plus souvent dans une version en deux actes (au lieu des cinq actes initiaux) selonune tradition instituée par un comédien français, Valville. Eraste, amoureux de Lucile, s'imagine qu'elle répond aux avances de Valère, malgré les preuves qu'elle lui donne d'un amour réciproque. Acte I, scènes 3 à 5 ; acte IV, scènes 2 à 4.

La pièce, dont l'action se situe à l'origine de Rome, débute dans une ambiance tragique : la famille romaine des Horaces est unie à la famille des Curiaces. Le jeune Horace est marié à Sabine. La guerre fratricide qui éclate entre les deux villes rompt cette harmonie. Pour en finir, chaque ville désigne trois champions qui se battront en combat singulier pour décider qui devra l'emporter. Contre toute attente, le sort désigne les trois frères Horaces pour Rome et les trois frères Curiaces pour Albe. Horace, étonné, ne s'attendait pas à un si grand honneur. Les amis se retrouvent ainsi face à face, avec des cas de conscience résolus différemment : alors qu'Horace est emporté par son devoir patriotique, Curiace se lamente sur son destin si cruel...

"Sitôt que sa tragédie fut mise en répétition à l'Hôtel de Bourgogne, Corneille tint à en faire une lecture à l'Hôtel de Rambouillet. L'ouvrage choqua ce cénacle de "précieuses" et de "délicats" qui, habitués "au fin et au joli", ne pouvaient pas en goûter la mâle grandeur et la sévère beauté". Extraits choisis.

La jeune infante de Navarre vient au Portugal pour épouser le prince Pedro, fils du vieux et redoutable roi Ferrante. Pedro s'est marié en grand secret à une dame du royaume. Jusqu'où Ferrante ira-t-il dans sa vengeance pour ménager sa succession... ? La Reine morte est une pièce de théâtre d'Henry de Montherlant écrite en 1942 et représentée pour la première fois le 8 décembre 1942 à la Comédie-Française. C'est une des pièces les plus connues de l'auteur, qui développe le thème classique de l'amour contrarié par la raison d'État. Cette pièce est librement inspirée de l'histoire des rois de Portugal Alphonse IV et Pierre Ier et d'Inés de Castro.

"La Guerre de Troie n'aura pas lieu" a été créée en 1935, par les soins de Louis Jouvet. Après Siegfried, elle s'affirma - son succès en a témoigné - comme une des rares œuvres maîtresses du répertoire français contemporain à aborder un des grands problèmes politiques du temps. Jean Vilar l'a montée en 1962, pour le Festival d'Avignon, et l'a reprise au Théâtre National Populaire (TNP) en 1963. Hector, le chef troyen, revient victorieux d'une guerre. A Troie, il est beaucoup question de l'enlèvement d'Hélène, reine de Sparte, par le prince Pâris. Hector retrouve sa femme, Andromaque ; il apprend qu'elle attend un enfant. Acte I - Scène 3 En présence du roi Priam et des notables troyens, Hector va procéder à la fermeture solennelle des "portes de la guerre". Il doit traditionnellement dédier un discours aux morts de la dernière guerre. Acte II - Scène 4 L'enlèvement d'Hélène risque d'être un cas de guerre. Andromaque, épouse et mère, éprouve profondément la menace. Alors qu'Hector se persuade que la restitution d'Hélène aux Grecs écartera le danger, Andromaque veut une explication franche, vraie, totale, avec Hélène. Acte II - Scène 7 Ulysse, ambassadeur des Grecs, se présente à Troie. Hector le reçoit. Acte II - Scène 12 Pour conserver la vérité de l'action théâtrale, cet enregistrement a été réalisé pendant une représentation de la pièce au Palais de Chaillot.

Puissance d'une peinture vraie qui survit aux explications les plus différentes, le personnage de Phèdre ne cesse pas de bouleverser les hommes depuis presque trois mille ans, d'émouvoir en eux l'effroi tragique devant le spectacle de la passion. Quelle est donc cette force implacable par laquelle peu à peu un être qui reste le même cesse pourtant d'être ce qu'il était, ce qu'il voulait ? D'où vient cette possession totale de l'esprit et des sens par des appels jusque là méprisés, cette défait irresistible de la conscience qui assiste d'abord comme étrangère au trouble qui l'emporte, pour bientôt s'y livrer sans mesure avec une fureur déchirée ? L'admirable, dans ce dernier chef d'oeuvre profane écrit à 37 ans par un homme qui va renoncer au théâtre, c'est que Racine y respecte tout à la fois, avec les grands mythes anciens et les conceptions religieuses de son temps, les explications scientifiques les plus modernes. L'admirable plus encore, peut être, c'est que Racine tout en nous montrant avec force les ravages effrayants de la passion, en nous faisant "connaitre et haîr", comme il le dit dans sa préface, "la difformité du vice", nous inspire avant tout pour son personnage, beaucoup plus encore que l'horreur antique, la compréhension et la pitié. Il donne à Phèdre dans sa défaite, victime des dieux ou du déterminisme, une grandeur irrécusable. Il nous oblige à l'aimer.

Don Juan, le trompeur de Séville, l'homme aux mille visages, surgit du néant pour mieux abuser ses victimes : sa parole n'est que séduction, illusion, spectacle. À ses côtés, à la fois lâche et fidèle, drôle et pathétique, Sganarelle sera de tous ses voyages. Car Don Juan est un voyageur-né : le maître et son serviteur passent d'une ville à l'autre, font naufrage et sillonnent les campagnes. Nobles dames ou naïves paysannes, toutes les femmes sont égales aux yeux du grand séducteur. Ces extraits sonores sont issus de l'adaptation théâtrale de Don Juan dans les années 50 au TNP (Théâtre National Populaire), sous la direction de Jean Vilar, avec Jean Vilar, Daniel Sorano et Jean-Paul Moulinot. 3 scènes sont ici représentées : Acte I scène 2 ; Acte IV scène 3 ; Acte V scène 2.

Le théâtre d'Edmond Rostand tient une place unique pour son temps dans l'histoire de la littérature française. Certains ont dit que le poète était le représentant d'un des derniers rameaux du Romantisme. Ce n'est pas tout à fait exact. Rostand a créé un genre et s'est montré si original qu'il n'a pas eu de successeur et n'a pas vieilli. Les malintentionnés qui avaient murmuré que Cyrano était une chance qui ne se retrouverait plus, durent reconnaître, avec l'Aiglon, les génie de celui qui avait rendu à la foule le goût de la poésie dramatique en s'adressant au coeur, en caressant l'esprit et en parlant avec une extraordinaire richesse verbale une langue claire, ailée et accessible à tous. L'oeuvre d'Edmond Rostand est celle d'un poète qui marque une date dans la littérature française. Créateur d'une originalité indiscutée, il reste, plein de grandeur, un isolé triomphant et inimitable. - Maurice Garçon, de l'Académie Française.

La pièce donne à suivre les deux dernières journées de la vie de Dom Juan Tenorio, libertin grand amateur de femmes, flanqué tout au long des cinq actes de son fidèle valet Sganarelle, couard, gourmand et amateur de disputes intellectuelles. Provocateur impénitent, Dom Juan n'échappera pas à la vengeance du Ciel, qui le châtiera par le bras d'une statue de pierre. Pièce où se mêlent tous les registres, du pur comique au sérieux, voire au tragique, elle est accueillie avec enthousiasme par le public parisien, mais fait l'objet d'une violente attaque au lendemain de sa création et ne sera jamais reprise ni imprimée du vivant de son auteur. Délaissée jusqu'au milieu du XIXème siècle au profit de la version en vers que la veuve et les compagnons de Molière avaient commandée à Thomas Corneille en 1676, elle fut peu représentée jusqu'à ce qu'en 1947 et 1953, Louis Jouvet puis Jean Vilar la fassent redécouvrir au grand public. Elle est aujourd'hui considérée, à l'égal du Tartuffe et du Misanthrope, comme l'un des chefs-d'œuvre de Molière et de la dramaturgie classique française

C'était en 1956 sur les ondes de France III Nationale, dans "Le théâtre et l'université", une émission placée sous le haut patronage de l'Éducation nationale. On y donnait une version radiophonique du Dom Juan de Molière, dans une mise en scène de Jean Vilar, enregistrée en public à Chaillot. Jean Vilar interprétait Dom Juan, Daniel Sorano était Sganarelle, et Monique Chaumette, Elvire. Avec eux sur scène : Georges Wilson, Georges Riquier, Philippe Noiret et Jean Topart. Cette pièce radiodiffusée, dont le deuxième acte avait été coupé, était suivie d'un débat animé par Philippe Dechartre au lycée Louis-Le-Grand. Don Juan ou Le Festin de Pierre est une comédie de Molière en cinq actes et en prose dont la " Troupe de Monsieur frère unique du roi " donna quinze représentations triomphales en février et mars 1665 sur le théâtre de la grande salle du Palais-Royal à Paris. Elle donne à suivre les trente-six dernières heures de la vie du jeune Dom Juan Tenorio, " esprit fort " et grand amateur de femmes, flanqué tout long des cinq actes de Sganarelle, valet couard, glouton et friand de disputes intellectuelles. Provocateur impénitent, Dom Juan n'échappera pas à la vengeance du Ciel, qui le châtiera par le bras d'une statue de pierre. Le spectacle, où se mêlent tous les registres, du comique farcesque au sérieux, voire au tragique, est accueilli avec enthousiasme par le public parisien, mais fait l'objet d'une violente attaque au lendemain de sa création.

Le Pain de ménage (1898) est une comédie en un acte de Jules Renard, à portée autobiographique, et souvent jouée avec une autre pièce de l'auteur, Le Plaisir de rompre (1897). Deux couples sont réunis pour un séjour de vacances. Marthe et Pierre, dont les conjoints respectifs se sont absentés après le dîner, évoquent leur vie de couple et l'issue possible de leurs relations. Extraits.

Satire de la médecine, satire des femmes, satire des niais, défense du bon sens, de la liberté, de la vie et de l'amour, Le médecin malgré lui est tout cela à la fois ; on en pourrait dire autant de la plupart des pièces de Molière. Si celle ci se distingue des autres, et en particulier des autres farces auxquelles on la rattache ordinairement, c'est sa surprenante présence de son personnage central, ce Sganarelle qui de faiseur de fagots devient grand médecin, et par la violence agressive de son langage. Car Sganarelle est un être à demi-cultivé qui aime s'étourdir de mots, qui prise la parole pour elle-même et qui y trouve sa véritable existence. L'extravagance verbale est sa façon à lui de se situer par rapport aux autres, sinon de s'opposer aux autres. L'intrigue du Médecin malgré lui est simple : Sganarelle, un faiseur de fagots de bois, ivrogne et brutal, bat sa femme Martine. Pour se venger celle-ci fait croire aux domestiques de Géronte, Valère et Lucas, que son mari est un médecin mais qu'il n'accepte de travailler qu'après avoir reçu des coups de bâton. Lucinde fille de Géronte, mais aussi amoureuse de Léandre, ne veut pas d'un mariage avec Horace que son père a décidé. Pour s'opposer à son père Lucinde feint d'être muette. Pour soigner sa fille Géronte fait appel à Sganarelle. Celui-ci qui est copieusement battu par les domestiques de Géronte prend petit à petit son rôle de médecin au sérieux. Lucinde retrouve la parole pour défendre son projet de mariage avec Léandre. Géronte accepte pour gendre Léandre qui vient de faire un bel héritage. Sganarelle pardonne à sa femme et va poursuivre ses activités de médecin.

Pièce en un acte écrite en 1837. Après un an de mariage, Mathilde, épouse aimante et passionnée d'Henri de Chavigny, apprend l'inconstance de son mari. Paris aux alentours de 1840. Délaissée par son mari après un an de mariage, Mathilde de Chavigny, jeune femme douce et sensible, tente de reconquérir son mari en lui confectionnant une petite bourse rouge. Alors qu'elle s'apprête à la lui offrir, elle obtient la preuve des infidélités de Chavigny qui lui montre un bourse de couleur bleue qu'une autre lui a donnée. Désabusée, Mathilde confie son chagrin à son amie Madame de Léry, femme vive, spirituelle et cynique. Forte de son expérience des hommes, celle-ci va alors entreprendre de donner une leçon à ce mari volage... Interprètes : La troupe de la Comédie française

Le Plaisir de rompre (1897) est une comédie en un acte de Jules Renard, à portée autobiographique, et souvent jouée avec une pièce ultérieure de l'auteur, Le Pain de ménage (1898). Maurice rend visite à Blanche, femme mûre qui est sa maîtresse, qu'il quitte alors qu'il prépare son mariage avec une jeune fille fortunée de sa génération. Cette visite de rupture leur permet d'évoquer les sentiments toujours forts qui les unissent. Extraits.

Marivaux, L'heureux stratagème (extraits), avec Jacques Berthier, Christiane Minazzoli, Roger Mollien, Geneviève Page. " Quoi ! Madame, j'arrive, et vous me fuyez ? " (Acte I, scène 5. Dorante, La comtesse). " Marquise, je viens vous trouver moi-même... " (Acte II, scène 3. La comtesse, La marquise). " Il mé paraît qué ma Comtesse rêve... " (Acte II, scène 6. Le chevalier, la comtesse). " Approchez, Dorante, et avant toute autre chose... " (Acte II, scène 11. La comtesse, Dorante, le chevalier) Régie de Jean Vilar, musique de Vivaldi. Aimée de Dorante, la Comtesse le délaisse au profit du Chevalier Damas qui, de son côté, néglige la marquise... Femme d'expérience, la Marquise pour punir sa rivale et la rendre à Dorante, décide l'amant malheureux à feindre de l'amour pour elle. L'amour-propre et la jalousie feront le reste, et tout le monde n'aura qu'à se louer de cet heureux stratagème, hormis le plaisant Chevalier qui recevra la punition de son infidélité. La Marquise qui " connaît son sexe " mène ici magistralement le jeu avec d'autant plus d'aisance qu'elle n'éprouve pas une passion très vive pour le Chevalier. On comprend mal que celui-ci, avec sa sotte fatuité, ait pu supplanter le modeste et séduisant Dorante dans le cœur de la Comtesse. C'est la Marquise qui nous en donne l'explication. Elle connaît assez Damas pour juger dès l'abord que la Comtesse n'a voulu que le lui enlever et que sa coquetterie seule néglige Dorante. Avec une habileté consommée, à la fin d'une scène piquante, elle fait négligemment entendre à la Comtesse que Dorante vaut son prix. Et la jalousie, qui ne veut pas s'avouer commence son œuvre. Dorante a assez d'emprise sur lui-même, grâce à l'appui qui lui est offert pour inquiéter la Comptesse, qui impute naturellement à sa rivale tout le dépit qu'elle éprouve. La Comtesse laissera enfin parler son amour, heureuse d'avoir retrouvé à la fois le bonheur et la raison. Le Théâtre National Populaire, sous la direction de Jean Vilar, a présenté l'Heureux Stratagème pour la première fois au Théâtre National du Palais de Chaillot le 7 janvier 1960.

La disgrâce de don Salluste est prononcée : il doit quitter la cour car il a fait un enfant illégitime à l'une des suivantes de la reine. Obsédé par sa vengeance, il rencontre son neveu César et lui demande de l'aider à l'accomplir, mais ce dernier refuse. Don Salluste va donc faire appel à son valet, Ruy Blas, amoureux de la reine, et lui ordonne de devenir son amant. Commence alors un jeu de séduction qui intrigue et charme cette dernière qui se sent délaissée par son époux. De son côté, Ruy Blas gravit les échelons et devient ministre; alors qu'il touche au bonheur, puisque la reine lui avoue son amour, don Salluste lui rappelle leur arrangement et joue un odieux chantage...

Le Tartuffe ou l'Imposteur est une comédie de Molière en cinq actes et en vers créée le 5 février 1669 sur la scène du Théâtre du Palais-Royal. Orgon est l'archétype du personnage de cour tombé sous la coupe de Tartuffe, un hypocrite et un faux dévot. Il est, ainsi que sa mère, Madame Pernelle, dupe de Tartuffe. Ce dernier réussit à le manipuler en singeant la dévotion et il est même parvenu à devenir son directeur de conscience. Il se voit proposer d'épouser la fille de son bienfaiteur, alors même qu'il tente de séduire Elmire, la femme d'Orgon, plus jeune que son mari. Démasqué grâce à un piège tendu par cette dernière afin de convaincre son mari de l'hypocrisie de Tartuffe, Tartuffe veut ensuite chasser Orgon de chez lui grâce à une donation inconsidérée que celui-ci lui a faite de ses biens. En se servant de papiers compromettants qu'Orgon lui a remis, il va le dénoncer au Roi. Erreur fatale : le Roi a conservé son affection à celui qui l'avait jadis bien servi lors de la Fronde. Il lui pardonne et c'est Tartuffe qui est arrêté. "Mais où sont les neiges d'antan... Cueillez dès aujourd'hui les roses de la vie... Madame se meurt, madame est morte... Il neigeait, il neigeait toujours...". Les pages qu'il faut connaître, parce qu'elles font partie intégrante du patrimoine de la France, que les jeunes par conséquent ont à apprendre - et y a-t-il procédé plus séduisant et plus efficace que d'entendre ces pages enregistrées dans la plus pieuse fidélité au génie créateur ? Les pages qu'il faut connaître.. et qu'en fait tant de Français et d'étrangers connaissent et savent par coeur ! Y aura-t-il pour ceux-ci émotion plus profonde que de réentendre ces textes essentiels, confiés à la voix de nos plus célèbres interprètes ?